IPB

Здравствуйте, гость ( Вход | Регистрация )

Активные темы за последние сутки
Новые сообщения с Вашего последнего посещения
Главная страница форума
Прекрасная Эпоха
akaceya
сообщение 20.9.2019, 5:01
Сообщение #1


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Прекрасная Эпоха

Прекрасная Эпоха... Четверть века, предшествовавшие Первой Мировой... Время расцвета наук, искусств, время метаний и исканий, время революционного подъёма. Время, финалом которого стали великие преобразования. Время, когда было заложено всё, чем мы живём сейчас.

Искусство Прекрасной Эпохи

Прекрасная эпоха – время расцвета искусств накануне Первой Мировой. Так стали называть это время после того как война отгремела и сегодня, в 2018, когда мы заканчиваем отмечать вековой юбилей Великой Войны (а отмечаем мы его с 2014 по 2018), у нас есть хороший повод вспомнить и о самой Великой Войне, и о Прекрасной Эпохе. Тем более, что даже сейчас эта эпоха ещё не ушла в историю и многое из того, что появилось или было измыслено тогда продолжает оставаться актуальным. Состояние духа в предвоенную эпоху определялось тем, что в то время завершалась эпоха Рыб и начиналась эпоха Водолея. Отсюда и все видимые противоречия и метания. Эпоха рыб дала мистицизм, тягу к тайному, абстрактному и непостижимому, Водолей же дал революционный накал, стремление к Новому, в своих крайних проявлениях – через полный отрыв от прошлого, срывание всяческих тайн и покровов, а заодно и стремление к свободе. Вот этот адский бульон и породил те художественные (в широком смысле) течения, по которым мы узнаём сегодня Прекрасную Эпоху.

Пьяные ветры новизны: ар-нуво и авангард

Если говорить о визуальных искусствах – живопись, графика, архитектура – то там правили бал два направления. Одно – само название которого включает слово "новый" на всех языках: ар-нуво (дословно – новое искусство), модерн, югендстиль. Второе – ещё более новое, вообще авангард.



Авангард: Робер Делоне. Марсово поле: Красная башня. 1911


Хотя, если быть справедливым, слово "авангард" в Прекрасную Эпоху было неизвестно. Его придумали гораздо позже, чтобы объединить в одном понятии множество стилей школ и течений, которые порой различались только названием, но при этом яростно спорили между собой, пытаясь доказать себе и всему обществу что они современнее, передовее. В те ещё года, сказав кому из представителей любой из этих школ, что их через 20 лет всех будут знать под одним названием, можно было и в зубы получить. Главное, что их объединяло: стремление делать что угодно, лишь бы не так. Не так как все, но главное – не так как раньше. Отказ от эстетики, сосредоточение на форме в ущерб содержанию, нарочитая плакатность. Всё это оказалось востребованным в Войну, во время последовавшей цепи революций и в послереволюционную эпоху. Может потому авангард и выжил, достигнув своего расцвета в 20 – 30-е годы. Ну а сейчас выродился в прибивание интимных частей тела к мостовой и разбрасывание с глубокомысленным видом надкушенных печенек по полу выставочного зала. Увы, современная уборщица может этого не понять и вымести такое "произведение искусства" на помойку. Произведения первых авангардистов хоть и вызывали скандал, однако ни у кого не возникало сомнения в их художественной принадлежности.



[i]Модерн: Альфонс Муха. Образ. 1897[/i]

Однако авангард в годы Прекрасной Эпохи прозябал на задворках культурной жизни, зато другой стиль – ар-нуво (в России более известный как модерн) стал визитной карточкой времени, сама Прекрасная Эпоха воспринимается ныне как время господства ар-нуво и её временные границы как раз и определяют периодом господства этого стиля (середина 80-х годов XIX века - 1914 год). И хотя сам модерн вызывал не меньше скандалов чем авангард, он действительно вошёл в плоть эпохи, ибо художники ар-нуво впервые выдвинули идею создания единой художественной среды для человека. Ар-нуво, как единый стиль, пропитывало всё: архитектуру, интерьер, костюм, мебель, украшения, не ограничиваясь только произведениями искусства. Раньше это тоже было, интерьеры стиля барокко не спутаешь с интерьерами ампир, но сейчас эта идея была высказана и сформулирована осознанно. И также осознанно воплощалась в жизнь.

Именно поэтому мы сегодня знаем искусство ар-нуво большей частью по рекламным буклетам, декоративным панно и архитектурным памятникам.



Альфонс Муха. Сигареты JOB

В России новое искусство обратилось древней народной традиции, породив неорусский стиль в архитектуре.



Доходный дом Перцовой, Москва, вид с Патриаршего моста. Архитекторы Н. К. Жуков и Б. Н. Шнауберт, по эскизам С. В. Малютина. 1905 – 1907

И вообще, Прекрасная эпоха оставила в Москве множество интереснейших памятников, во многом определив облик исторического центра. Сегодня Москва - один из крупнейших и интереснейших мировых "заповедников ар-нуво", поэтому к теме "Прекрасная Эпоха в Москве" я ещё вернусь.

Как видно, ар-нуво обращается к утончённости, гедонизму, но он же наполнен символами, аллегориями. Этот стиль вырос из символизма, который не оставил заметных следов в изобразительном искусстве, зато ярко прозвучал в литературе.

Туман средневековой тайны: символизм
Уходившая в небытие эра Рыб произвела в Прекрасную Эпоху свои высшие и самые яркие достижения. О достижениях мистической мысли (которыми окармливаются оккультисты и по сию пору) я расскажу как-нибудь в другой раз, сейчас же вспомним творчество литераторов и, прежде всего, поэтов той поры. Символизм был лишь одним из направлений литературы, но, пожалуй, самым ярким и самым выразительным.

Суть символизма – в стремлении выразить невыразимое. Высокие истины, которые можно только прочувствовать, к которым можно приблизиться, но никогда не удастся понять и уж тем более объяснить формально. Вот к чувствам и обращаются символисты. Обращаются через язык символов, ибо символы, как метко подметил Юнг, содержат в себе нечто большее чем набор формальных значений. По большому счёту, символ – единственный способ добраться до архетипа. Вот они и добирались, используя символику, пришедшую из средневековья, из мистического христианства, масонства, а когда и из языческих времён.

Благодаря символистам (а может, по их вине? Это как посмотреть!) в Прекрасную Эпоху шло активное мифотворчество. Именно тогда окончательно оформился средневековый рыцарский миф, тогда же мифологизировалось и романтизировалось представление о Востоке, как некоей далёкой возвышенной цивилизации, хранящей некие высокие и тайные знания, в Европе утраченные. Миф, в значительной степени сдобренный дешёвой эротикой, миф, который мы не можем преодолеть до сих пор.

Сам символизм (как и большинство литературных течений той поры) вырос из искусства декаданса. Направления эти столь близки, что между ними иногда ставят знак равенства, тем более что в Прекрасную Эпоху символизм и считался одной из форм упадка и разложения. На самом деле всё гораздо сложнее.


Рамон Касас. Юная декадентка. 1899

Сам термин "декаданс" – распад, разложение, падение, дегенерация – был введён в обиход сторонниками традиционного, академического искусства, которое к началу Прекрасной Эпохи уже во многом не удовлетворяло духовные потребности людей. Почему? Сознание человека в эру Рыб (как и во все предшествующие времена) было большей частью коллективным. Человек был прежде всего христианин, мусульманин, подданный такого-то королевства, член гильдии, житель хутора и только в последнюю очередь самим собой. Это накладывало огромные обязанности, но в то же время давало значительную защищённость. В наступившую эпоху происходила очень быстрая индивидуализация сознания (Водолей, однако!), индивидуализация всей жизни. Теперь человек был уже никому ничего заранее не должен, но, вот ведь незадача! Тебе в такой ситуации тоже никто ничего не должен! Даже сочувствие надо сначала заслужить. Это вызвало перманентный шок и стресс. Острее всего почувствовали это на своей шкуре представители творческой интеллигенции – художники, поэты, писатели. Но если художники более-менее приспособились – спрос на плоды их творчества в условиях активного роста производства предметов потребления и строительства был устойчивый – то писателям и поэтам пришлось туго. Вот и появился целый пласт депрессивной литературы, рассказывающей о всяких ужасах (тот же Э. По, например). Основные идеи декаданса – всё плохо, дальше будет только хуже, человек один перед лицом враждебного мира и надеяться не на что.
Символизм, в отличие от декаданса, находит свет. Этот неземной свет идёт из тумана эпохи Рыб, ибо другого человечество пока не знает. И одиночество нового времени здесь уже не помеха, а подспорье, ибо суть этого света каждый понимает сам и поделиться этим знанием невозможно. Чрезвычайно популярным становится образ, который можно условно назвать образом рыцаря-монаха.


Лоэгрин

Возвышенный рыцарь, постигающий на своём рыцарском пути высшие идеалы. Лучшие примеры этой легенды – Парсифаль и Лоэгрин Вагнера, Бертран из пьесы "Роза и Крест" Блока. Но свет этот, при всём при том неземной, в этой жизни мы можем только прикоснуться к нему. С его помощью можно исправить своё духовное, но вовсе не материальное состояние. В этом мире сделать ничего нельзя. В этом декаданс и символизм едины.

Остатки былой роскоши
Культурная жизнь Прекрасной Эпохи, естественно, не ограничивалась тем, о чём здесь рассказано. За гранью остались очень многие формы и направления искусства, но то, о чём здесь сказано, пожалуй, самое сочное, самое характерное для того времени.

Прекрасная Эпоха закончилась на границе июля и августа 1914. Была срезана на взлёте. Разразившаяся кровавая бойня смела многие сокровища этой эпохой порождённые. Стало не до поиска глубинных смыслов, не до изысканности, а новое само уже врывалось в дома, и было оно таким что волосы вставали дыбом. Пришедшие следом революции и вовсе упростили жизнь и искусство до предела. На смену изысканному ар-нуво пришёл (правда, не на долго) авангард, столь удобный для политических плакатов, в архитектуре – конструктивизм, оставивший от зданий лишь функциональные коробки, на смену символизму – агитпроп, надолго прекративший поиски любых смыслов, на смену утончённому эротизму – ускоренное воспроизводство рабсилы.

Показательна в этом смысле гибель секс-символа Прекрасной Эпохи – Маты Хари. Первую стриптизёршу обвинили в шпионаже и убили. Не было ли это ритуальным убийством всей Прекрасной Эпохи?

Каким был бы мир, если бы Прекрасную эпоху не убили столь грубо? Трудно сказать. Но в одном можно не сомневаться: этот мир был бы гораздо лучше чем мир, построенный Великой войной. А нам сегодня остаётся только вздыхать, проходя мимо прекрасных зданий и глядя на старые фотографии.



Мата Хари, 1910




https://www.liveinternet.ru/users/woledemort/post43736931


--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
 
Начать новую тему
Ответов (1 - 9)
akaceya
сообщение 21.9.2019, 20:09
Сообщение #2


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Модерн, ар-нуво – новое искусство...
Модерн, ар-нуво – новое искусство, определившее весь облик Прекрасной Эпохи – последних 20 – 25 лет, предшествовавших Первой Мировой войне. В разных странах: ар-нуво, модерн, югендстиль.




Альфонс Муха, Луна

Искусство модерна настолько слилось с самой сутью Прекрасной Эпохи, что её границы чаще всего определяют периодом главенства стиля модерн. Этот стиль интересен прежде всего потому, что он не был просто ещё одним стилем в искусстве. Неразрывно связанный с технологическими достижениями того времени, модерн пронизывал все стороны жизни общества Прекрасной Эпохи. Можно смело сказать, что модерн это художественное воплощение передовых технологий, возникших на границе XIX и XX веков. И потому он стал столь всеобъемлющим.





Волна, Henri Privat-Livemont, 1897

Ар-нуво возник как результат брожения в умах и душах, продолжавшегося всю вторую половину XIX века. Устоявшееся академическое искусство уже не удовлетворяло духовные запросы людей. Шёл активный поиск нового. В 70-е годы XIX века этот поиск породил эклектику – по большому счёту не стиль, а сумбурное, порой противоречивое смешение всего, что было известно ранее. Из эклектики-то и вырос совершенно новый, уникальный, популярный и по сию пору стиль. Стиль, в самом названии которого отразилось главное стремление Прекрасной Эпохи – стремление к обновлению, развитию, духовному росту.

Ар-нуво по французски означает "новое искусство", в России стиль известен под названием "модерн", что вообще не требует пояснений, в Германии – югендстиль – молодой стиль. Возник он не на полотнах художников, а в мастерских, производивших мебель и украшения.




Брошь, Рене Лалик, музей Галуста Гюльбенкяна, Лиссабон

Очень быстро была сформулирована идея, которую современным языком можно сформулировать так: создание единой художественной среды существования человека. В результате новый стиль быстро захватил все виды визуальных искусств, проник во все сферы жизни. И даже такие вещи как театральные афиши, бланки ресторанных меню и пачки сигарет были подняты на уровень высокого искусства.

И даже матёрые академисты, тот же Бугро, отметились работами, которые стали, в некотором смысле, визитной карточкой эпохи.



Вильям Бугро, Аврора, 1881

Однако, академисты, они так и остались академистами, не выйдя за рамки традиций парижского Салона, в их работах заметно влияние нового стиля. Художественную среду определяли другие художники, те кто действительно делал художественную среду для жизни людей. И если того же Бугро мы сегодня видим больше в музеях и художественных каталогах, то работы других художников живут и сегодня в афишах, буклетах, этикетках, шрифтах того времени и до сих пор служат образцами для подражания.



Мануэль Орази, рекламный постер, 1902

И сейчас мы связываем стиль модерн и всю Прекрасную Эпоху большей частью с декоративными орнаментами, предметами интерьера и архитектурой, чем с произведениями "высокого искусства". В этом, наверное и есть главная заслуга Прекрасной Эпохи вообще и ар-нуво в частности – именно тогда художественное наполнение быта для всех и каждого стало нормой, нормой стало и художественное оформление продукции массового производства.

Взяла здесь
https://www.liveinternet.ru/users/woledemort/rubric/6780731/


--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
akaceya
сообщение 22.9.2019, 16:21
Сообщение #3


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Прекрасная эпоха в цвете
Продолжим исследование Прекрасной эпохи – последних десятилетий, предшествовавших Первой Мировой войне. Сегодня мы попытаемся увидеть Прекрасную Эпоху во всём её многоцветии. Не на картинах художников, не на раскрашенных вручную открытках, а увидеть настоящие, самые что ни на есть документальные цветные фото. Можем? Оказывается, можем!



Ибо именно Прекрасная Эпоха подарила нам те технологии цветной фотографии, которые сегодня, в цифровую эру, стали доминирующими на рынке. Так-то вот! Как это получилось? Чтобы понять это, давайте вспомним как это было и...




Откуда что пошло
Собственно, сама идея цветной фотографии появилась почти сразу же после появления фотографии вообще: если наш глаз воссоздаёт всё многообразие цветов, синтезируя всего 3 цветовых канала – красный, зелёный и синий (да-да, то самое RGB) – то надо сделать 3 изображения, по одному для каждого канала и... А вот дальше возможны варианты. Например, спроецировать их на экран, каждый через соответствующий фильтр. Это и стало самой первой технологией, позволившей снимать, просматривать и тиражировать цветные фото.




Фотография Адольфа Мите, 1902

Увы, технология оказалась громоздкой, потому тогда так и не стала массовой. Но и её применить удалось далеко не сразу. Дело в том, что первоначально фотоэмульия была чувствительна к синим и фиолетовым лучам, едва воспринимала жёлто-зелёные и совсем не реагировала на красные. Потому-то, хотя сама идея была предложена ещё в середине XIX века Максвеллом (тем самым, который создал теорию электромагнетизма), первые цветные фото появились только в 1901 году. Автором первой работающей технологии стал немец Адольф Мите. Он изобрёл работающую и относительно удобную в использовании фотокамеру для последовательной съёмки трёх кадров через три разных светофильтра. А в 1903 он порадовал публику первой выставкой цветных фотографий.




Фотография Адольфа Мите, 1903

Адольф Мите был большим авторитетом в фотографии и смежных областях, отличался огромной увлечённостью и оставил после себя огромный фотоархив. Как и его русский ученик, Сергей Михайлович Проку́дин-Го́рский, который усовершенствовал и камеру, и фотоматериалы и сам процесс. Впрочем, в те ещё года это было нормальным явлением. Тогда каждый серьёзный фотограф был и химиком, и механиком и оптиком и изобретателем. А главное – горел и болел своим делом.



Прокудин-Горский собственной персоной, 1912

К чести царского правительства следует сказать, что оно понимало всю значимость нового изобретения и активно поддержало Прокудина-Горского. Благодаря этому он оставил нам широкую и красочную картину жизни Российской Империи начала XX века. В его архиве есть и фото знатных дам.



Фотография Прокудина-Горского, между 1905 и 1915
и простых крестьянок



Фотография Прокудина-Горского, 1909

и богатого церковного алтаря, и как монахи сажают картошку. Или, например, как выглядела пристань в Гаграх до Революции



Фотография Прокудина-Горского, между 1905 и 1915

Архив Прокудина-Горского на сейчас доступен в Интернете и я настоятельно рекомендую посмотреть его очень внимательно. Это действительно уникальные и ценнейшие фото! Увы, сохранившаяся коллекция сегодня находится не в России, а в Библиотеке конгресса США...

Однако, при всей своей революционности и немалых плюсах, эта технология оказалась слишком сложной, слишком ненадёжной (что уж говорить, если полноценное восстановление цветных изображений коллекции Прокудина-Горского потребовало специальной компьютерной обработки!), к тому же не позволяла снимать динамичные сцены. С последним тогда вообще были проблемы, но у данной конкретной технологии – особенно. Однако примерно в то же время была придумана технология цветной фотографии, ставшая первой, относительно массовой. Ну как относительно... массовой, относительно того, чем пользовался Прокудин-Горский...


Автохром
Если поверх фотоэмульсии разместить специальный фильтр сделанный из множества ма-а-а-аленьких стёклышек, каждое из которых пропускает красные, синие или зелёные лучи, сфотографировать на такую пластинку, а потом рассматривать фото издали, не сдвигая фильтр, то стёклышки сольются и мы увидим цветное изображение. По тому же принципу устроен экран монитора, с которого Вы сейчас всё это читаете. Ну и матрица в Вашем цифровом фотоаппарате. Но в те ещё года (1903, когда был запатентован метод "Автохром") регулярные матрицы делать не умели, поэтому замешивали смесь из очень мелких зёрен крахмала (позже – каучука), окрашенных в красный, зелёный и синий цвета и размазывали эту смесь поверх эмульсии. Ну и ещё несколько технологических хитростей, без которых всё это вообще не работало. Если зёрнышки были маленькие, а смесь промешана хорошо, то после проявления пластинки по диапозитивному процессу, фотографию можно было увидеть именно цветной:



Дама у окна, Густав Гейн, 1910, автохром

Для этого, правда, приходилось вставлять пластинку в специальный диапроектор, её нельзя было скопировать и растиражировать, автохромные пластинки были жутко дорогими, а сам процесс их проявления выливался в лютый, бешеный геморрой... И качество (в том числе и в передаче цвета) частенько получалось вот таким:



Гостиничный номер 1910 года, автохром

И это, кстати, после того, как я заметно улучшил это фото в графическом редакторе. НО! Фотографировать на автохромные пластинки можно было самой обычной фотокамерой! И надо было только один раз нажать на кнопку затвора. ОДИН раз! Потому и стал автохромный фотопроцесс относительно массовым... относительно того, чем пользовался Прокудин-Горский – действительно массовым, а так... ну Вы поняли... И всё равно. Цветные фото делали многие, до нас дошли и постановочные кадры (самые качественные).



Танцовщица в древнеегипетском костюме, 1915, автохром

и семейно-детские



Автохром, 1909

и дамы из высшего общества




Автохром, 1910

и люди с рабочих окраин



Мулен-Руж в 1914, Париж, автохром


[i]Вид на Эйфелеву башню и дворец Трокадеро (разрушен в 1937), Париж, автохром, 1914 [/i]

Отдельной строкой следует упомянуть коллекции антропологических фото – получив в свои руки цветную фотографию, энтузиасты и профессионалы бросились запечатлеть мир традиционных культур, к началу XX века всё ещё живой, но уже уходящий.




Девочка с Мадейры в традиционном наряде, автохром, около 1910

Нам остались огромные массивы таких фотографий, десятки тысяч. Они охватывают все страны и континенты. Неисчерпаемый источник информации для историков, модистов и исторических реконструкторов. И для реставраторов тоже, как вот эта фотография Янтарной комнаты, сделанная Андреем Андреевичем Зеестом в июне – августе 1917. Тогда он проводил систематическое фотографирование интерьеров Царского Села по заданию Временного правительства (приёмка царского имущества, понимаете ли...)



Янтарная комната, автохром, 1917

Ну и сама Первая Мировая оставила нам большой корпус цветных фото, но это уже совсем другая эпоха...

Тема на самом деле огромная и я думаю к ней ещё вернуться. Ещё и ещё... А если будете себя хорошо вести (оставлять комментарии и ссылки на этот сайт в своих блогах) то я покажу вам Прекрасную Эпоху не только в цвете, но и в объёме. 3D ведь тоже не вчера изобрели...


Для совсем любознательных: Автохром сегодня
Собственно, сегодня матрица любого цифрового фотоаппарата устроена по принципу всё того же автохрома: светочувствительная матрица накрыта сверху маской из фильтров трёх цветов: красного, зелёного и синего, только в оригинальном автохроме гранулы трёх цветов распределялись над эмульсией стохастически (случайно, как замешали, так уж и замешали, если плохо перемешали – фотография шла пятнами), а сейчас – регулярно. Ну и монитор, с которого Вы читаете эту статью работает по тому же принципу.

Метод съёмки на три разные пластинки (матрицы) через три светофильтра сегодня используется в высококачественных профессиональных телекамерах (3CCD), а марсоход Opportunity (как и его ныне покойный брат Spirit) создаёт цветные изображения Красной Планеты практически так же, как в своё время делали это Мите и Прокудина-Горский – меняя цветные фильтры перед объективом фотокамеры. Правда фильтров там существенно больше трёх, но ведь и задачи перед марсоходом стоят намного более сложные, чем просто порадовать нас красивой картинкой издалека...





--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
akaceya
сообщение 27.9.2019, 20:03
Сообщение #4


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Фантастический дом купца Рябушинского




Шикарный дом в стиле модерн опережал свое время. /Фото:anothercity.ru/

Этот дом на Малой Никитской улице в Москве очень оригинален снаружи, но еще более экстравагантен внутри. Даже не верится, что его создали сто лет назад. Еще более любопытно, что в столь странном здании когда-то жил писатель Максим Горький, который во всем любил простоту и уж точно не отличался любовью к модернистским экспериментам. Впрочем, писатель не сам выбрал себе такой дом: в один прекрасный день его просто поставили перед фактом.

Дворец с тайной молельней

Изначально дом принадлежал молодому купцу Степану Рябушинскому – коллекционеру икон, промышленнику, основателю завода ЗИЛ. Юноша, как и его братья, отличался дальновидностью и прогрессивными взглядами во всем – как в коммерческих делах, так и в художественных пристрастиях. Поэтому совсем неудивительно, что здание именно в таком стиле (европейский модерн) он решил заказать модному по тем временам архитектору Федору Шехтелю, построившему в начале прошлого века не одно московское здание – начиная с театров и заканчивая особняками.


Богатая фантазия архитектора Шехтеля воплотилась в каждой детали дома. /Фото:shagau.ru


Кирпичная фасадная облицовка, которую обвивает мозаичный фриз, массивная парадная дверь, волнообразные (словно из сказки) окна с решеткам-деревьями, фантастические узоры в арочных проемах – все это придумал московский архитектор. А в создании дизайна внутреннего интерьера вместе Шехтелем принимал участие художник Михаил Врубель.



Создается ощущение, что ты в сказке. /Фото:moscovery.com

Если зайти в этот причудливый дом, можно увидеть дивную волнообразную лестницу, стиль которой, говорят, Шехтель перенял у великого испанского архитектора Гауди. На его творчество также повлиял француз Франсуа-Ксавье Шелкопф, считавший, что прямыми линиями невозможно передать красоту зданий, ведь в природе их не существует.




Невероятная лестница с фантастическим светильником. /Фото:sentstory.ru

Витражи, декоративные светильники и украшения в виде морских обитателей (например, лампа-медуза) и совершенно невероятная лепнина на окнах приковывают взгляд и вызывают восхищение. Интересно, что при всей этой вычурности и пестроте ни внешний облик, ни внутренний дизайн дома не вызывают ощущения безвкусицы, а, наоборот, кажутся очень гармоничными и изысканными.



Лепнина на потолке до сих пор потрясает. А вот люстра - более позднего изготовления. /Фото:ytimg.com

Рябушинский очень хотел, чтобы его дом был скрыт от посторонних глаз и чтобы у любого, кто в нем находится, создавалось ощущение уединенности. Тогда Шехтель придумал интересный выход: скрыть часть здания садом.

Ограда особняка - в том же стиле. /Фото:Э.Бикмурзина, vokrugsveta.ru

В 1903 году купец вселился в свой новый особняк. В одном из помещений он открыл реставрационную мастерскую, где художники под его надзором восстанавливали старинные иконы. А еще в дальней части дома у Рябушинского была потайная комната, в которой находилась старообрядческая молельня с иконостасом, ведь он, как и многие московские купцы, придерживался этой старой веры, а она до 1905-го в стране считалась запрещенной.



Фото особняка Рябушинского на старинной открытке. /Фото:vokrugsveta.ru

Новый хозяин не понял дизайна

После революции владелец дома спешно эмигрировал с семьей в Италию. Особняк советские власти национализировали, и он стал переходить от одной организации к другой. В разные годы здесь размещались детский дом, издательство, Наркомат по иностранным делам и прочие разномастные конторы. За эти годы часть уникального интерьера дома была безвозвратно утеряна. А в 1935-м здание передали Максиму Горькому, который только что вернулся в СССР – кстати, как раз из Италии. Здесь, на Малой Никитской, писатель и прожил последние годы.

Сюда поселили Горького. /Фото:anothercity.ru Сам Горький чувствовал себя в этом доме немного не в своей тарелке, ведь его вкусы и образ жизни шли вразрез с помпезным стилем особняка дореволюционного купца. Писатель любил, чтобы все было по-простому, без излишней вычурности и непонятных ему украшательств. Он не раз говорил, что в этом доме вроде бы все красиво – да «улыбнуться нечему». Но ведь не мог же он отказаться от такого подарка властей. Поэтому Горький смирился и просто обустроил все в доме под себя.

Спальня Горького. Солидно, но не вычурно. /Фото:/shagau.ru

Он заполнил комнаты массивными книжными шкафами, в спальне поставил вполне обычную кровать, а в кабинет велел перенести свою «писательскую» мебель, чтобы комната была похожа на те, в которых он работал прежде, когда жил на чужбине. А еще новый хозяин поставил в доме огромный стол. За ним часто собирались коллеги Горького – советские писатели и поэты, так что здание на малой Никитской в итоге стало чем-то вроде литературного общества. Захаживал сюда и Сталин – навестить «пролетарского писателя».



Писатель распорядился поставить в доме книжные шкафы и огромный стол. /Фото:liveinternet.ru


«Я не хозяин дома!» Когда же кто-нибудь из знакомых упоминал при Горьком, что этот дом – его (например, называл писателя хозяином), тот обижался и раздраженно замечал: «Какой я вам хозяин? Никаких личных домов у меня не было и нет! А это здание мне выделило государство». Горький вообще не любил, когда его персону возвеличивали. Например, известно, что даже новость о том, что Нижний Новгород переименовали в честь него, писателя не обрадовала. Когда еще до переименования Сталин сказал ему об этой идее, которую хочет приурочить к его юбилею, литератор дал понять, что он против. Вождь строго заметил, что это воля советской власти, и, главное, народа, и с ней ему придется считаться. Возражать Сталину было бессмысленно и даже опасно, и Горький решил просто не реагировать на этот факт. В повседневной речи он продолжал говорить «Нижний Новгород». А на официальное поздравление с юбилеем, полученное от горьковчан, он ответил коротким письмом, в котором благодарил их за поздравление, но об переименовании даже не упомянул. Так же недоволен был Горький и тем, что его имя получила в Москве Тверская улица.




Пожилой писатель пользовался всеми благами, предоставленными властью, но в глубине души был против. /Фото:http://ussrvopros.ru

Утренние часы и почти всю вторую половину дня писатель проводил за работой в своем кабинете на первом этаже. Наверх он почти никогда не поднимался, потому что взбираться по крутой волнообразной лестнице ему было физически тяжело. В верхних комнатах жила семья его сына.




Взбираться по этой лестнице ему было тяжело. /archidom.ru

Сейчас в особняке Рябушинского размещается музей писателя. Здесь можно увидеть и его книги, и коллекцию восточных фигурок, и любимое кресло, и чайный сервиз.

Официально это уникальное здание называется «Дом-музей Максима Горького», но любители архитектуры старой Москвы все-таки чаще величают его «Особняк Рябушинского» – так звучит органичнее.

Максим Горький был человеком с непростым характером. Его категоричность в некоторых вопросах была настолько велика, что даже стала причиной ссоры с давним другом Федором Шаляпиным.


Взято здесь

https://www.liveinternet.ru/users/woledemort/post439674107


--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
akaceya
сообщение 8.10.2019, 16:26
Сообщение #5


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Самая красивая парадная Петербурга....




Парадная "Ромашка"

Несмотря на то, что у каждого свой вкус и предпочтения, мнения сходятся на том, самая красивая парадная Северной столицы находится в одном из домов купца Елисеева. Он принадлежал к крупной торговой династии Петербурга.

Свое название парадная получила благодаря сочетанию цветов, использованных в оформлении: стены выкрашены в желтой цвет, элементы оформления - в белый.

Династия купца Елисеева была настолько значимой, что имела собственного архитектора. Для их семьи трудился Г.В. Барановский. На создание "Ромашки" у него ушло два года.


Долгое время петербургские крыши были самым востребованным местом для посещений, которые не приветствуются стражами правопорядка. Но сегодня они постепенно утрачивают свою туристическую привлекательность. На их место приходят парадные - скрытое за высокими тяжелыми дверями наследие купцов и крупных промышленников. Число желающих проникнуть внутрь и посмотреть на архитектурные шедевры растет, но нынешние жители настроены не очень гостеприимно.


Лестница парадной имеет форму спирали, которая поднимается ввысь, окружая собой кованные решетки парового лифта. Конструкция не сохранилась до современных дней, но не утратила своей привлекательности: восхищенные посетители продолжают фотографироваться около дверей.





Окна в парадной повторяют спиральный ход лестницы. У большинства оконных проемов удалось сохранить витражные стекла желтого цвета в верхней части. По задумке архитектора, стекла желтого цвета в пасмурную холодную погоду должны были придавать освещению теплый оттенок, напоминая жильцам о скором приближении лета.

Многие до сих пор уточняют точный адрес нахождения уникальной парадной, чтобы посетить ее, наполниться духом и историей Петербурга, окунуться в эпоху дореволюционной России.




Взято здесьhttps://www.liveinternet.ru/users/woledemort/post439759457


--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
Николай Петрович
сообщение 8.10.2019, 20:52
Сообщение #6


Я такой же, как все: я не похож ни на кого другого.


Группа: Пользователь
Сообщений: 3280
Регистрация: 7.10.2014
Из: Королёв
Пользователь №: 2324



Кстати об оконных стёклах. Если будете в Государственном биологическом музее имени К. А. Тимирязева, то, спускаясь по лестнице со второго этажа, обратите внимание на верхнее стекло в окне. Видно, что оно имеет неровную поверхность. Либо оно таким изготовлено не менее 100 лет назад, либо это результат дождей, которые так неравномерно растворяли поверхность стекла все эти годы.
Если, конечно, я не опоздал с этим сообщением. За прошедшие два года стекло могли сменить.
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
akaceya
сообщение 18.10.2019, 18:03
Сообщение #7


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Прокудин-Горский - пионер цветной фотографии




Сложно поверить, что эти кадры сняты русским фотографом в самом начале ХХ века — качество этих изображений и точность, с которой они воспроизвели жизнь, превосходят многие снимки, сделанные на современном оборудовании.
Своей задачей изобретатель, педагог, ученый, обучавшийся химии у Дмитрия Менделеева, а живописи — в Императорской Академии художеств, Сергей Прокудин-Горский видел фиксацию жизни России в истинном цвете. С 1903 по 1916 год он составил «Коллекцию достопримечательностей Российской империи» — уникальное крупнейшее собрание цветных фотоснимков.

Сергея Прокудина-Горского часто называют отцом цветной фотографии. Но это лишь один из распространенных мифов о выдающемся ученом. Первый цветной фотоснимок в мире был сделан в 1861 году — за два года до рождения русского ученого. Заслуга же Прокудина-Горского состоит в том, что он перенес эту технологию в Россию, усовершенствовал рецептуру сенсибилизаторов и в несколько раз сократил время процесса съемки.

Не случайно именно Прокудин-Горский считается не только пионером русской цветной фотографии, но и автором термина «родиноведение». Фотограф предполагал использовать свое собрание для просвещения — установить в каждой школе и гимназии России проектор, чтобы показывать подрастающему поколению богатство и красоту родной страны. Новый предмет должен был получить название «родиноведение». Эти уроки так и не были введены в школах царской России — революция 1917 года помешала замыслу. А сам ученый эмигрировал в 1918 году, узнав о расстреле царской семьи, и последние годы своей жизни провел во Франции.

Однако в 2001 году урок родиноведения от некогда знаменитого соотечественника получили современные жители России, когда Библиотека Конгресса США выложила его коллекцию в открытый доступ.

30 августа исполняется 155 лет со дня рождения Сергея Михайловича Прокудина-Горского. С помощью первого биографа фотографа и ведущего специалиста по его творчеству Светланы Гараниной и основателя Музея С. М. Прокудина-Горского Василия Дрючина мы решили рассказать о Прокудине-Горском и его деятельности через десять снимков.


Портрет Льва Николаевича Толстого, 1908 год
Единственный цветной портрет Льва Толстого относится к числу самых ценных и известных фотографий Прокудина-Горского. Снимок сделан 23 мая 1908 года, незадолго до 80-летия писателя. В начале месяца Прокудин-Горский — к тому времени авторитетный ученый, широко известный и в России, и за рубежом, — написал Льву Толстому письмо с предложением сделать его цветной фотопортрет. Разрешение на приезд было получено. В Ясной Поляне Сергей Прокудин-Горский провел два-три дня и сделал несколько фотографий Льва Толстого и его имения. Однако большая часть оригиналов этой серии была утрачена. Цветоделённые негативы сделанных Прокудиным-Горским портретов Льва Толстого не найдены. Этот портрет воспроизведен с авторского литографского оттиска.



Реставратор: Вячеслав Ратников

В Ясной Поляне Сергей Прокудин-Горский провел два-три дня и сделал несколько фотографий Льва Толстого и его имения. Однако большая часть оригиналов этой серии была утрачена. Цветоделённые негативы сделанных Прокудиным-Горским портретов Льва Толстого не найдены. Этот портрет воспроизведен с авторского литографского оттиска.

«Вследствие крайне невыгодного положения местности для фотографирования, оно было сделано в саду, в тени, падающей от дома, причем задний план был ярко освещен солнцем. Фотографирование произведено в пять с половиною часов вечера, тотчас после верховой прогулки Льва Николаевича. <…> В печати портрет воспроизведен без всяких поправок и прикрас, чтобы сохранить всю ценность подлинности воспроизведения», — писал Прокудин-Горский.

Эту заметку русского фотографа-художника «К юбилейному портрету Гр. Л. Н. Толстого» в Центральном государственном историческом архиве Ленинграда нашла бывшая в то время аспиранткой Московского государственного института культуры, а ныне ведущий специалист по творчеству Сергея Прокудина-Горского Светлана Гаранина. В 1970 году и заметка, и фотопортрет Льва Толстого были опубликованы в номере журнала «Наука и жизнь».

Лицо очень добродушное — лицо хорошего русского крестьянина средней полосы.

Словом, внешность не представляла чего-либо поражающего, пока вы близко не видели глаз Толстого. Вот тут только сразу чувствовалось нечто необычное, становилось ясно, что перед вами не обыкновенный человек. Глаза Толстого сине-голубые, глубоко сидящие, вдумчивые, тотчас же изучающие вас и, как глаза великого психолога, сейчас же вносящие вас к той или иной категории людей.

Чувствовалось, что соответственно этому определению и все дальнейшее общение с вами будет таким, как все ваше существо того заслуживает

— Воспоминания Сергея Прокудина-Горского


Обед на покосе, 1909 год
Отправляясь в свои экспедиции по России, Сергей Прокудин-Горский хотел зафиксировать жизнь глубинки, в том числе для горожан, чтобы они понимали красоту и многообразие родной страны. Как и многие русские интеллигенты, исследователь считал, что хранителем русской самобытности, уклада и основы России являются крестьяне.



Реставраторы: Константин и Владимир Ходаковские

Этот снимок сделан предположительно в июне 1909 года на берегу реки Шексна возле Череповца, сама местность в 1941–1947 годах была затоплена Рыбинским водохранилищем. Снимок показывает, что Прокудин-Горский подходил к процессу как художник, передающий живописный образ крестьян.

«По некоторым данным, репродукция именно этого снимка висела в комнате Прокудина-Горского до самой его кончины в Париже», — рассказал Василий Дрючин.

Десять лет, помимо чистой научной области по фотохимии, я трудился над постановкой цветного дела в России. До сих пор все делалось исключительно за границею, а теперь и мы пошли вперед. Было трудно особенно потому, что я единственный русский, работающий в этой области, и все меры принимались, чтобы задушить меня, но не вышло.

— Из письма Сергея Прокудина-Горского Льву Толстому


Крестьянские девушки, 1909 год
Портрет крестьянских девушек в цветастых сарафанах, держащих в руках ягоды, — один из самых ярких и известных снимков из этнографической серии фотографий крестьян на берегу реки Шексна. Снимок сделан в деревне Топорня.



Реставратор: Сергей Свердлов

Фрагмент именно этой фотографии выбран для оформления раздела сайта Библиотеки Конгресса США, где размещены материалы коллекции Прокудина-Горского.

Один из секретов того, что фотографии Прокудина-Горского буквально наполнены жизнью, заключался в том, что он сократил время выдержки процесса фотографирования до 1–3 секунд. До него моделям приходилось сидеть неподвижно около 15 секунд. Отсюда — естественность и реалистичность людей и предметов на снимках Прокудина-Горского.


Мугань. Семья поселенца, предположительно 1912 год
Чтобы зафиксировать образы русских крестьян, Прокудин-Горский выезжал не только в ближние губернии, но и на далекие окраины империи. Снимок «Семья поселенца. Пос. Графовка» относится к этой серии. Он сделан в русском поселении Мугань Бакинской губернии (территория современного Азербайджана).



Реставрация: WalterStudio, 2000–2001 (Библиотека Конгресса США)

Царское правительство начало активно заселять Южный Кавказ с середины XIX века. Значительную часть переселенцев составляли русские крестьяне, исповедовавшие диссидентские взгляды, — молокане, старообрядцы, духоборы, субботники и др. В Бакинскую губернию их переселяли целыми общинами за вероотступничество. Одним из ареалов заселения русскими стала Мугань. Прокудин-Горский фиксировал исторический процесс этой колонизации. На снимке — русские переселенцы-молокане.

Эта фотография украсила обложку первого издания, посвященного Прокудину-Горскому, альбома Олсхауза «Фотографии для царя» (Нью-Йорк, 1980 год).


Неизвестная на веранде в Лугано, 1908 год
Сложность для исследователей творчества Прокудина-Горского заключается в том, что профессор не описывал подробно локации и обстоятельства своих съемок. Некоторыми историями он делился в журнале «Фотограф-любитель», главным редактором которого он стал в 1906 году. Самое подробное описание — это съемка Льва Толстого в Ясной Поляне. Обстоятельства и истории создания других фотографий собираются по крупицам.

Одна из самых загадочных частей коллекции Прокудина-Горского — фотографии представительниц дворянского сословия. Исследователи его творчества, несмотря на годы поисков, до сих пор не смогли точно определить их имена.



Реставрация: Станислав Пустовит

Этот фотопортрет сделан на террасе отеля возле железнодорожного вокзала в Лугано (Швейцария). По данным Василия Дрючина, в Лугано Прокудин-Горский приехал в гости к бывшему редактору журнала «Фотограф-любитель» Адриану Лаврову. «Есть разные предположения, кто изображен на снимке, но ни одно из них не подтвердилось на сто процентов», — рассказал Василий Дрючин. По одной из версий, на снимке может быть изображена старшая дочь Прокудина-Горского Екатерина, на тот момент ей было 15 лет. Однако родной сын Екатерины, ныне покойный Дмитрий Свечин, не признал в незнакомке свою мать.


Группа участников железнодорожной постройки, 1916 год
Неизвестными остаются и запечатленные участники строительства Мурманской железной дороги. Несмотря на многолетние усилия, исследователи установили только одного человека на снимке — главный врач Сергей Серебренников (слева в сером костюме).



Реставраторы: Константин и Владимир Ходаковские

Во время Первой мировой войны, летом 1916 года, Прокудин-Горский совершил свою последнюю фотоэкспедицию на строительство участка Мурманской железной дороги. Дорога начала строиться в спешке, предполагалось, что она изменит ход войны.

Снимок сделан на причале в поселке Кемь-Пристань (Кемский район, Карелия). На нем — группа гражданских инженеров, работавших на строительстве Мурманской железной дороги. Они сидят на недостроенном глубоководном причале, к которому скоро должны начать швартоваться корабли стран-союзников с оружием и боеприпасами. Тогда еще никто не мог представить, что через несколько лет, в 1920-х, с этого причала пароходы будут увозить людей в Соловецкий лагерь особого назначения.


Эмир Бухарский, 1911 год
Фиксируя жизнь Российской империи, Прокудин-Горский совершил несколько поездок по Центральной Азии. «В январе 1907 года он со своими помощниками едет в Самарканд, чтобы снять солнечное затмение, — рассказала Светлана Гаранина. — С погодой не повезло, но времени они не теряли и отправились снимать архитектуру города. Это имело огромное значение для культуры. В октябре случилось землетрясение, храмы погибли. Памятники Самарканда в цвете сохранились на снимках Прокудина-Горского. Сейчас в Средней Азии его имя известно лучше, чем у нас».

Этот снимок сделан в 1911 году во время поездки в Бухару, которая в те годы была вассальным государством Российской империи. На нем — Сейид Мир Мухаммед Алим-хан, эмир Бухарский (взошел на престол в 1910 году).



Реставратор: WalterStudio, 2000–2001 (Библиотека Конгресса США)

Для истории фотографии этот снимок ценен тем, что демонстрирует высочайший уровень технологии Прокудина-Горского в передаче цвета.

Фотограф использовал технологию, основанную на исследованиях англичанина Джеймса Максвелла и француза Луи Артюра Дюко дю Орона, запатентовавшего метод тройного цветоделения. В 1902 году Сергей Прокудин-Горский обучался в фотомеханической школе в Германии у профессора Адольфа Мите, который сконструировал фотокамеру для трехцветной съемки и проектор для показа цветных снимков.

Метод заключается в том, что цветной предмет снимается на черно-белую стеклянную пластину с одной точки через три светофильтра — синий, зеленый и красный.

Попытки повысить чувствительность пластинок к цветным лучам делались разными учеными сравнительно давно, но получить вполне равномерную чувствительность ко всем спектральным лучам — не удавалось. После многих лет работы я нашел способ приготовить бромистое серебро не только с равномерною, но и с очень высокою общей чувствительностью, что дает возможность приступить к работе по конструированию кинематографа в натуральных цветах

— Из выступления Сергея Прокудина-Горского на Всероссийском съезде художников в Петрограде 4 января 1912 года

«Одно из этих трех стекол пропускает все красные, оранжевые и желтые лучи спектра, задерживая все остальные; другое пропускает все зеленые лучи и задерживает все остальные; третье пропускает голубые, синие и фиолетовые лучи, но не пропускает остальных», — объяснял сам Прокудин-Горский. Затем позитивы просматривались через проектор с тремя объективами. Каждый кадр проецировался через светофильтр соответствующего цвета. Сложение трех изображений очень точно воспроизводило цвет объекта.

Вместе с тройным цветоделением в Европе и в России активно развивалась другая методика цветной съемки — автохром, которую в 1904 году запатентовали братья Люмьер. Прокудин-Горский исследовал фотопластинки братьев Люмьер после начала их массового выпуска в 1907 году. В результате русский фотограф предпочел сложную технологию последовательных экспозиций с помощью фотоаппарата Мите. Автохром сильно уступал по качеству цветопередачи и давал зернистую картинку. Однако именно эта технология нашла широкое распространение из-за более простого процесса фотографирования. После Прокудина-Горского в России цветная фотография с помощью тройного цветоделения не получила развития.


Вид монастыря преподобного Нила Столбенского, 1910 год
На снимке — Богоявленский собор Ниловой пустыни на озере Селигер. В качестве точки для съемки Прокудин-Горский выбрал полуостров Светлица.



Реставрация: WalterStudio, 2000–2001 (Библиотека Конгресса США)

Монастырь Нилова пустынь был основан на острове Столбный в конце XVI века. Он был широко известен по всей России как одно из наиболее посещаемых паломниками святых мест. На фотографиях Прокудина-Горского запечатлена та архитектура монастыря, которая сложилась к середине XIX века.

Здание пострадало в годы советской власти, а внутреннее убранство Богоявленского собора, каким запечатлел его Прокудин-Горский, практически полностью утрачено.

Этот снимок стал эмблемой организованной в 2001 году Библиотекой Конгресса США выставки «Империя, которой была Россия» — именно с нее началось пробуждение интереса к наследию русского фотографа.


Церковь во имя Рождества Христова в Крохине, 1909 год
Фотографию храма Рождества Христова в Крохине (Белозерский район Вологодской области) Сергей Прокудин-Горский сделал в 1909 году. В том же году в жизни Прокудина-Горского и в развитии его дела произошло важное событие — ученый получил предложение представить свои фотоснимки государю Николаю II.



Реставратор: Юрий Катанов

Судьбоносный для коллекции Прокудина-Горского показ состоялся 3 мая в Царском Селе. «Ровно в половину девятого дежурный араб (В рукописи, скорее всего, допущена опечатка. Имеется в виду арап — прим. ТАСС) возвестил: „Их Императорские Величества» и в залу вошли Государь, Государыня со старшими дочерьми и приближенные свиты. После первой же картины, когда я услыхал одобрительный шопот Государя, я уже был уверен в успехе, так как программа была подобрана мною в возрастающем по эффектности порядке» (Орфография и пунктуация оригиналы сохранены — прим. ТАСС), — вспоминал Прокудин-Горский во вступлении к своим мемуарам, датированном 1932 годом (орфография и пунктуация автора сохранены). После этого фотограф получил официальную поддержку документирования Российской империи. Заключалась она в следующем: Прокудину-Горскому были предоставлены специально оборудованный железнодорожный вагон и небольшой пароход, также царская канцелярия выдала документы, которые давали ему разрешение на съемки всех территорий империи. Все остальные расходы на технику и содержание экспедиции Прокудин-Горский по-прежнему оплачивал из собственных средств, осознавая значение своего дела для современников и для будущих поколений.

Сейчас села Крохина не существует, оно затоплено в 1961 году при наполнении Шекснинского водохранилища. Из воды выступают тающие с каждым годом развалины белых стен. Это то, что осталось от церкви Рождества Христова.

Работа моя производится с соизволения Государя Императора уже четыре года. Я езжу по всей России и делаю снимки, руководствуясь указаниями и этнографов, и художников, и главным образом местных людей, которые знают свое место больше, чем кто-либо; я воспроизвожу все древнее, все интересное в том или ином отношении. Работа длится 7–8 месяцев в году подряд. Для этого я имею некоторые удобства, в смысле путешествия. Цель моей работы — дать возможность наглядным обучением школе и народу ознакомиться со своим государством, — знать его промышленность, кустарную и в широком смысле, — народности и т. д. Понятно, знание своей родины — это первая задача каждого живущего в государстве человека

— Из выступления Сергея Прокудина-Горского на Всероссийском съезде художников в Петрограде 4 января 1912 года

Сергей Прокудин-Горский и его помощник Николай Селиванов во время съемки, предположительно 1909 год

До недавнего времени считалось, что снимков, где изображен сам Прокудин-Горский в процессе съемок, не сохранилось. Однако в 2017 году внучка его помощника Николая Селиванова Ирина Эпштейн передала в Музей Прокудина-Горского материалы семейного архива — документы и фотографии, где запечатлен мастер со своим окружением.

Предполагается, что этот снимок сделан на берегу реки Шексна. Скорее всего, на нем запечатлен процесс съемки фотографии «Обед на покосе». Рядом с Сергеем Михайловичем — 16-летний подросток в кепке. Это и есть главный помощник мастера Николай Селиванов (1892–1957). В 1908 году он вместе с сыном Прокудина-Горского Дмитрием сопровождал фотографа в Ясную Поляну для съемок Льва Толстого. Далее участвовал во многих экспедициях Прокудина-Горского и до конца жизни работал в Государственном оптическом институте в Ленинграде. Эта фотография впервые была представлена на выставке «Неизвестный Прокудин-Горский» в 2017 году в Музее современной истории России.


Сергей Прокудин-Горский с помощником

Ирония времени в том, что человек, всю жизнь стремящийся ухватить и зафиксировать его, оказался на долгие годы забыт на родине. Находящиеся в эмиграции родные Сергея Прокудина-Горского в 1948 году были вынуждены продать коллекцию Библиотеке Конгресса США: сказались сложное положение русских эмигрантов в Париже и отсутствие условий, необходимых для сохранения коллекции. Лишь в начале 2000-х в России имя Прокудина-Горского вновь начало приобретать известность.

Впрочем, говорить, что его наследие оценено в полной мере, пока рано. На территории России пока нет ни одной мемориальной доски, посвященной Прокудину-Горскому, — ни в Санкт-Петербурге, где находились квартира и типография исследователя, ни в Киржаче, неподалеку от которого он родился. Память о нем поддерживается энтузиастами. В 2016 году по инициативе Василия Дрючина, учителя информатики и исследователя творчества фотографа, был открыт Музей Прокудина-Горского в государственной общеобразовательной школе Москвы «Романовская школа».

Да и само творчество Прокудина-Горского еще ждет новых исследователей. «Очень трудно найти информацию о Прокудине-Горском в архивах, — говорит Василий Дрючин. — Например, во Владимирском архиве хранятся крестильные книги, но ровно за год, когда родился Прокудин-Горский, книги нет. Так почти во всем, когда дело касается документов о нем».

Загадкой до сих пор остается, каким образом Прокудин-Горский вывез коллекцию во Франции. 1902 стеклянные пластины, которые он вывез за границу, занимали два товарных вагона. «Как писал сам Прокудин-Горский в мемуарах, коллекцию он вывез „благодаря благополучному стечению обстоятельств», — говорит Дрючин. — Никакой информации в архивах МВД и МИД, по нашим данным, не сохранилось. Как будто кто-то за ним подчищал эти данные».

Вся коллекция Прокудина-Горского насчитывала около 3,5 тыс. снимков. В Библиотеке Конгресса США хранятся 1902 из них. Судьба других негативов неизвестна. По воспоминаниям родственников Прокудина-Горского, самую ценную часть своих фотографий он спрятал перед эмиграцией в России, очевидно, среди них были оригиналы снимков Льва Толстого и царской семьи. «Скорее всего, ничего, что осталось в России из собрания Прокудина-Горского, не уцелело. Он мог спрятать часть коллекции на даче под Лугой. В годы войны там проходил Лужский рубеж, сохраниться там ничего не могло», — отметила Светлана Гаранина.

Однако отчего-то хочется думать, что время преподнесет подарок тому, кто посвятил Сергею Михайловичу свою жизнь и в биографии Прокудина-Горского не останется ни одного белого пятна, а история его наследия предстанет в той же четкости, с которой он сумел передать нам жизнь и атмосферу утраченной Российской империи.


Взято здесь https://www.liveinternet.ru/users/woledemort/post440273861


--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
akaceya
сообщение 20.10.2019, 18:12
Сообщение #8


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Усадьба Храповицкого :Хозяйственный двор

Посёлок Муромцево интересен и сам по себе, своей историей от самого своего возникновения, но знаменит он прежде всего усадьбой графа Храповицкого - единственным в России готическим замком.

Тут надо заметить, что говоря о замке, следует иметь в виду не только барский дом, но и всю усадьбу в целом: последний владелец усадьбы - граф Владимир Семёнович Храповицкий, на время владения которого и пришёлся расцвет Муромцево - был большим поклонником рыцарской старины и самого передового прогресса. Потому и построил он усадьбу в сочном таком рыцарском стиле, но при этом наполнил самыми передовыми технологиями своего времени. При нём же в здешних лесах трудился знаменитый лесничий Карл Францевич Тюрмер, но о нём как-нибудь отдельно.

Вступив во владение имением в 1884 году, Владимир Семёнович нашёл имение в страшном запустении. К чести его надо сказать, что он понял весь потенциал этой земли и энергично взялся за развитие муромцевского имения. Пригласил того же Тюрмера, начал активное строительство, вкладывал деньги в лесное и сельское хозяйство. А для строительства имения пригласил архитектора Петра Семёновича Бойцова.

Я говорил, что Храповицкий был фанатом рыцарской старины? Так вот, в готическом, замковом стиле построено не только главное здание усадьбы, но также и хоздвор (по которому мы сегодня пройдёмся), большая часть вспомогательных построек, дома для рабочих... Даже сегодня в Муромцево нет-нет да попадаются одноэтажные кирпичные домики со стрельчатыми готическими окнами...
Ну что ж, начнём:

Хоздвор


То, что я условно называю хозяйственным двором усадьбы, расположено поодаль от главного замка и представляет из себя квадратную площадку со стороной метров в двести, по трём сторонам которой стоят (вернее, стояли) три корпуса: Скотный, Конюшенный и Каретный.
Конюшенный корпус располагается в центре и с самого первого взгляда в нём виден средневековый замок, с восьмигранными башнями по бокам, центральными воротами и надвратной башней.



И особенно фейерично смотрится на одном из забранных решёткой проёмов красный металлический лист с надписью гласящей, что сие есть памятник архитектуры и сей объект охраняется полицией.

Если встать спиной к Конюшенному корпусу, по левую руку будет корпус Скотный:



Скотный корпус находится сейчас в самом лучшем состоянии, видимо потому, что в нём находится администрация музея. Да-да! Усадьба Муромцево это ныне музей-заповедник, филиал Суздальского музея-заповедника. Там же, в Скотном корпусе, находятся и выставочные залы и местное сувенирное торжище. А от крыльца башни (на фото слева) начинаются все экскурсии.

Напротив Скотного корпуса расположен корпус Каретный. Вернее, то, что от него осталось.



Осталась, как видите, только административная пристройка. По-моему в ней сейчас кто-то живёт.

Немного истории
В советское время (вообще говоря, практически от начала) на базе усадьбы Храповицкого действовал лесотехнический и сельскохозяйственный техникум. Что вполне естественно, потому как хозяйство было реально передовое, а где же ещё учить будущих специалистов, как не в передовом хозяйстве? Собственно хозяйство - леса, сельхозугодья, научную и техническую базу, поддерживали в весьма приличном состоянии. Также заботились и о парке, потому как по факту Храповицкий с Тюрмером собрали тут небольшой, но довольно богатый ботсад. А вот саму усадьбу - постольку-поскольку. Но тем не менее: в барском доме (собственно замок) располагались учебные аудитории и лабораторные корпуса, в хозяйственных постройках - общежития ну и всякая учебная база по назначению: скотный двор, там, оранжереи итд итп. Усадьба хоть и не была в сильно хорошем состоянии, но тем не менее сохранялась. И фасады, и интерьеры.

Но вот настала рыночная эпоха и могучий х... ну пусть рука рынка, коий должен был вознести нас на невиданные высоты, прошёлся по русской глубинке так, что Мамай с Батыем сохнут от зависти. Техникум выселили из усадьбы под разными предлогами, у местных властей денег на содержание памятника не нашлось и в результате всё обрушилось. В том числе и в совершенно прямом смысле слова. Что мы и наблюдаем сегодня.

И что бы не говорили про советскую эпоху, но самый мощный удар по культуре и памятникам ея был нанесён не большевиками, а рыночниками-западниками в 90-е - 2000 годы. Именно на этот период пришлись самые большие разрушения и самые горькие потери.

Взято здесь

https://www.liveinternet.ru/users/woledemort/post442038457


--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
akaceya
сообщение 22.10.2019, 16:49
Сообщение #9


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Ювелирные фантазии в стиле ар-нуво от Филиппа Вольферса

В конце XIX - начале XX веков в Европе возник новый стиль – модерн, охвативший все направления искусства. В разных странах он имел разные названия: в России – "Модерн", в Германии - "Югендстиль", во Франции и Бельгии - "Ар Нуво". Коснулись новые веяния и ювелирного искусства. Если во Франции самым прославленным ювелиром эпохи Ар Нуво был Рене Лалик, то в Бельгии не менее прекрасные работы в новом стиле создавал Филипп Вольферс.


Родился будущий знаменитый ювелир в Брюсселе в 1858 году в богатой семье. Его отцом был знаменитый мастер серебряных дел, известный во всей Европе, Луи Вольферс. У мальчика с юных лет проявились и интерес к ювелирному делу, и творческие способности. C 16 лет он начал работать вместе с отцом в мастерской, осваивая профессию ювелира с самых азов.

Продолжение
https://lovers-of-art.livejournal.com/295053.html


--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение
akaceya
сообщение 5.11.2019, 21:36
Сообщение #10


Активный участник


Группа: Пользователь
Сообщений: 5223
Регистрация: 22.9.2010
Из: Н Новгород
Пользователь №: 370



Аквариумы Прекрасной Эпохи

В те далёкие времена, которые мы называем Прекрасной Эпохой, ещё не было силикона, но люди тоже держали дома аквариумы. Их собирали на металлическом каркасе, герметизировали специальными замазками и каждый был произведением искусства...















Взято здесь
https://www.liveinternet.ru/users/woledemort/post451054689


--------------------
Best regards,
Akaceya ...
Перейти в начало страницы
 
+Цитировать сообщение

Ответить в данную темуНачать новую тему
1 чел. читают эту тему (гостей: 1, скрытых пользователей: 0)
Пользователей: 0

 



RSS Текстовая версия Сейчас: 13.11.2019, 14:34